Monk dans l'ombre au coucher du soleil dans le paro dzong. Photo via Flickr par Craig Allen. CC BY-NC-ND 2.0
Cet article d'Abishek Budhathoki a été initialement publié au Népalais, et une version raccourcie et éditée a été republiée sur Global Voices dans le cadre d'un accord de partage de contenu.
Comme un mandala délicat émergeant du silence méditatif, une nouvelle vague de cinéma spirituel a transformé doucement l'horizon cinématographique du Bhoutan.
C'est une renaissance qui représente plus qu'un simple mouvement artistique, c'est un dialogue entre la mémoire culturelle et l'expression contemporaine.
Le style de cinéma s'aligne étroitement avec ce que Paul Schrader décrit dans son style transcendantal dans le film. Contrairement au réalisme psychologique dominant le cinéma contemporain, cette approche transcendantale privilégie l'expression spirituelle par le travail de caméra austère, les performances dépouillées de la conscience de soi théâtrale et l'édition qui résiste à la manipulation narrative.
Comme la pratique bouddhiste de la méditation, ces films demandent aux téléspectateurs de voir les complexités de la vie avec une douce conscience, de voir au-delà des récits de surface et de toucher les courants sous-jacents de l'expérience humaine.
Au centre de ce mouvement se dresse Khyentse Norbu - une figure avec une traversée délicate de sagesse et d'art spirituelles. Norbu n'est pas seulement un réalisateur mais un Lama bouddhiste (professeur de spirituel ou maître) qui serait l'incarnation du saint du XIXe siècle, Jamyang Khyentse Wangpo.
Son premier long métrage, The Cup (1999), concerne les jeunes moines dans un monastère himalayen qui est passionné par le football, montrant que la spiritualité peut coexister harmonieusement avec des intérêts mondains. Ce film a marqué un moment central dans le paysage du cinéma du Bhoutan, émergeant de l'expérience de Norbu à aider Bernardo Bertolucci lors du tournage de «Little Bouddha» (1993).
Dans son dernier film, Pig at the Crossing (2024), Norbu travaille avec le concept bouddhiste de Bardo, l'espace liminal entre la mort et la renaissance, où la conscience navigue sur le terrain entre la dissolution et la transformation.
Le protagoniste du film, Dolom, devient un cochon métaphorique à un carrefour métaphysique, son voyage représentant des attachements profonds et le potentiel de libération spirituelle. Le bouddhisme considère cette transition comme une occasion unique pour la conscience de libérer ses enchevêtrements de culpabilité, de honte et d'ignorance, offrant une compréhension plus vaste de la réalité.
Le film traite la mort non pas comme une fin, mais comme une chance de comprendre. Cela montre la vie comme une sorte de rêve où les gens peuvent trouver la liberté à travers leurs difficultés. Lorsque le film coupe soudainement le noir et se termine, il laisse le sort de Dolom. Cette fin invite les téléspectateurs à penser à leurs propres expériences, un peu comme la vie ouverte de la vie.
Pig at the Crossing porte des idées spirituelles profondes mais échoue techniquement par rapport aux œuvres précédentes de Norbu comme «Travellers and Magiciens» et «Hema Hema». Le film se sent moins poli et perd parfois son rythme à travers des visuels qui ne correspondent pas tout à fait aux idées profondes qu'il essaie d'expliquer.
Pourtant, cette imperfection même pourrait être intentionnelle - le reflet du thème central du film sur l’imprévisibilité inhérente de la vie.
Avec son mentor Khyentse Norbu, Pawo Choyning Dorji est devenu une nouvelle voix convaincante dans l'industrie cinématographique du Bhoutan. Il était réalisateur adjoint de Norbu dans son film "Vara: A Blessing" et a produit plus tard "Hema Hema: Sing Me a Song While I Wait".
Le premier film de Dorji en tant que réalisateur, «Lunana: A Yak in the Classroom» (2019), a attiré l'attention internationale au cinéma du Bhoutan. Son dernier film, «The Monk and the Gun» (2023), continue de présenter son talent de réalisateur. Situé en 2006, lors de la transition du Royaume vers la démocratie, le film présente le tableau d'une société naviguant dans l'équilibre délicat entre les valeurs traditionnelles et les processus politiques modernes.
À travers un récit qui suit un moine rural, un responsable électoral et divers villageois, Dorji fait une critique subtile de la mise en œuvre démocratique qui va bien au-delà du processus politique. Le film présente Ronald Coleman, un hommage pas si subtil à l'acteur Ronald Colman de Lost Horizon, qui sert de remplaçant pour les États-Unis.
La véritable brillance du film réside dans sa capacité à révéler des complexités culturelles à travers des interactions apparemment banales. Dorji utilise les élections simulées du Bhoutan comme test pour examiner comment l'influence politique externe peut perturber l'harmonie communautaire, mettant en évidence la tension entre les idéaux démocratiques imposés et les structures sociales autochtones.
Les motifs des armes à feu, de la télévision et des médias internationaux servent de métaphores à la pénétration culturelle, ce qui suggère que le véritable progrès ne concerne pas les invites externes, mais sur le maintien de connexions humaines fondamentales et le bonheur collectif. Le film offre un message subtil, en particulier dans le contexte des troubles démocratiques aux États-Unis ces derniers temps.
«Le moine et le pistolet» offre une satire regardable mais tiède qui manque de morsure. L'approche de Dorji semble trop prudente, rendant ce qui aurait pu être une critique culturelle nette en un récit oubliable. Le résultat est un film qui n'est ni mauvais ni particulièrement mémorable.
L'industrie cinématographique du Bhoutan a longtemps été influencée par le cinéma indien, avec de nombreux premiers films suivant de près les tendances de Bollywood. Cependant, il y a eu un changement important au cours des deux dernières décennies, car les cinéastes ont commencé à développer leur propre approche unique.
L'avenir du cinéma du Bhoutan est brillant avec de nombreux cinéastes domestiques semblant avoir trouvé leurs voix originales. Peut-être que ce mouvement peut être appelé «Cinéma du Dharma», un terme pourrait facilement imaginer être sur les pages de Cahiers du Cinéma.
Au-delà de Norbu et Dorji, il y a d'autres réalisateurs talentueux dans la nouvelle vague du Bhoutan: Dechen Roden, Tashi Gyeltshen, Karma Takapa et Ugyen Wangdi. Ensuite, il y a Arun Bhattarai, dont le documentaire de long métrage «Agent of Happiness» (2024) suit un arpenteur qui mesure le bonheur et, dans le processus, jette doucement l'idée du bonheur national brut.
Comme les mouvements de cinéma transformateurs qui ont émergé à travers le monde, les cinéastes du Bhoutan redéfinissent la narration qui est uniquement enracinée dans leur contexte culturel. Leur approche transcende la représentation géographique, offrant une méditation qui fusionne la perspicacité avec le dialogue artistique.
Grâce à des films qui résistent aux contraintes narratives traditionnelles et aux conventions cinématographiques occidentales, ils élaborent un nouveau langage distinctif du cinéma.