L'une des expositions d'art les plus importantes d'Afrique, la 15e Biennale d'art contemporain africain de Dakar – également connue sous le nom de Dak'Art – se déroule actuellement au Sénégal. Une biennale est une grande exposition internationale qui se tient tous les deux ans. Le thème pour 2024 est The Wake – L’Éveil et cette année, l’accent est mis sur les traumatismes, les personnes et la planète.
Kara Blackmore est une anthropologue et commissaire spécialisée dans la réalisation d'expositions communautaires. Elle est également commissaire associée – l’une des membres de l’équipe de femmes responsables de la sélection des artistes et de la réalisation des expositions – à la biennale de cette année. Elle nous a parlé de son travail et de la création d'espaces de guérison à une époque difficile de l'histoire.
La Biennale de Dakar est l'un des événements les plus prestigieux de l'art contemporain africain. C’est aussi l’un des plus anciens, organisé officiellement depuis 1992.
Quiconque a assisté à la biennale sait qu’il s’agit d’un rassemblement important d’artistes, de conservateurs, d’universitaires et de professionnels de la culture. Mais cette édition est surtout unique par sa forme de générosité et d’inclusion. Tout est gratuit et ouvert au public.
Cette biennale est importante pour les écosystèmes artistiques. C'est une occasion où le patrimoine artistique et culturel est célébré et un moment où les gens affluent du monde entier pour ressentir la vitalité d'un continent et de ses diasporas.
La Biennale de Dakar est la seule biennale financée par le gouvernement en Afrique. Dans un contexte mondial où le financement de l’art est continuellement restreint et où les bailleurs de fonds servent de substituts culturels au financement national des arts, il est vraiment inspirant de voir que le Sénégal est si investi.
Dans cette édition, nous avons repoussé les limites du panafricanisme, reliant les artistes du monde entier et marquant des liens profonds entre les pratiques créatives et la crise écologique.
L'ancien Palais de Justice, situé sur le plateau côtier de Dakar, est le lieu principal de la biennale. Il s’agit d’un vaste espace doté d’une cour principale remplie de grandes œuvres sculpturales d’artistes tels que Sonia Elizabeth Barrett (Jamaïque), Sokari Douglas Camp (Nigéria) et Siwa Mgoboza (Afrique du Sud).
Œuvre de Sonia E. Barrett (recto) et Jake Michael Singer (verso). Guy PetersonLe spectateur peut ensuite suivre différents chapitres de l'exposition à travers les couloirs des anciens bureaux transformés en galeries. Le flux lyrique se déplace entre l'eau (Swimming in the Wake), la terre (Dive into the Forest), l'air (Float in the Clouds) et la réalité destructrice de notre impact sur l'écosystème (Burn).
La lumière et la couleur guident le public entre les salles de travail de près de 50 artistes contemporains. Le temps de la biennale, cet ancien palais de justice se transforme de ruine en un labyrinthe vivant de créativité.
De nombreuses visions curatoriales se réunissent dans cette édition de la biennale. Plutôt que de travailler sur une hiérarchie d'un seul directeur artistique et de différents conservateurs avec des rôles distincts, nous avons voulu créer une synergie qui s'inscrivait dans la philosophie de la façon dont les autres commissaires (Salimata Diop, Cindy Olohou, Marynet Jeannerod) et moi-même nous sommes réunis pour façonner la collaboration scénographique (mise en scène) avec les cabinets d'architecture et de design (Clemence Farrell et Studio Abdou Diouf).
L'artiste et chercheuse afro-brésilienne Fabiana-Ex-Souza en performance à Dak'Art. Kara BlackmoreEn fait, les idées qui ont façonné la biennale ont commencé avec un collectif d’artistes et de conservateurs appelé Eaux Fortes (Eau Forte) qui travaillaient sur une exposition axée sur des questions écologiques telles que la catastrophe climatique et l’extractivisme.
C’est de ce rassemblement de femmes qu’est né le volet central de la biennale, l’exposition We Will Stop When the Earth Roars, avec les artistes Laeïla Adjovi, Beya Gille Gacha et Cléophée R.F. Moser. En tant que co-commissaires, nous avons ensuite travaillé pour inviter davantage d'artistes et élargir ce thème des conséquences de la violence sociale et environnementale.
Portrait de Sonia par l'artiste colombienne Manuela Lara. FourniPour moi, il était vital d'avoir des artistes dont les œuvres sont tendres, intimes et donnent une dimension humaine aux perspectives de crise. Je crois que de cette manière, les connexions peuvent être construites comme une forme de réparation.
C'est dans cette perspective que l'on voit l'inclusion d'artistes comme Manuela Lara, Wolff Architects, Louisa Marajo, Fabiana-Ex-Souza, Mouawad + Laurier, Moufouli Bello et Némo Camus. Le public peut alors avoir des instants pour souffler entre la rage et la confrontation à l’effondrement écologique urgent.
Nous voyons cette biennale comme un manifeste, comme un refus de se taire. Il ne s’agit donc pas d’un message instrumental d’artistes mais plutôt d’une expérience émotionnelle et sensorielle qui émeut le visiteur. Les sentiments que l’on éprouve dans l’exposition signifient que les visiteurs ne peuvent pas détourner le regard, mais aussi qu’ils sont pris en charge lorsqu’ils sont confrontés aux réalités de l’extractivisme, du néocolonialisme, du gaspillage et de la consommation.
Fleurs d'été du jardin de Bessie Head par Wolff Architects d'Afrique du Sud. Architectes WolffIl y a une texture dans le spectacle qui crée une relation matérielle avec notre manifeste comme plus qu'un grand cri ou un réveil, montrant une multitude d'approches pour réparer les dommages corporels et environnementaux.
Un exemple est l'installation primée d'Agnés Brezephin (Martinique), dont Films) de soi(e) montre un corps rempli de fils, de boutons et d'objets brodés.
L’artiste haïtienne Gina Athena Ulysse Pour ceux d’entre nous qui ont hérité du sacrifice, Rasanblaj ! est composé de cauris et de calebasses installées contre des textes d'archives qui fournissent un moyen de responsabilisation pour faire face à l'héritage de l'esclavage transatlantique.
Le Grand Témoin de la star de l'art kenyane Wangechi Mutu. Guy PetersonA Palace in Pieces de l’artiste kenyan Wangechi Mutu présente une œuvre intitulée Mountain Mama en référence aux Mau Mau, installée avec un extrait du poème du premier président du Sénégal, Léopold Senghor, Prière pour la paix créée à partir de terre rouge. Cet étalement de terre tamisée mène jusqu'à une statue de la matriarche Mountain Mama présidant l'ancienne cour suprême. C'est à la fois une invitation et une confrontation. Cela oblige le spectateur à pénétrer profondément dans la pièce pour la rencontrer face à face.
Toutes ces installations sont ancrées dans des pratiques féministes uniques allant de la Martinique à Haïti et au Kenya et nourries dans la diaspora, comme aux États-Unis. Ils sont liés par l’insistance créative à affronter les héritages de la violence tout en écrivant de nouvelles histoires de résistance et de libération.
Cotton Blue de l'artiste et journaliste béninoise-française Laeila Adjovi. Kara BlackmoreApporter ce genre de perspective activiste au commissariat et au processus créatif d’une biennale est une proposition courageuse. Celui que nous espérons se réalisera grâce à nos infrastructures de soins et à la volonté des artistes d'engager notre appel thématique avec leurs brillantes réponses.