Cette semaine, nous introduisons un nouveau format de galeries avec un critique à la barre, à la recherche de nouveaux artistes et de certaines des expositions les plus remarquables. Ici, Roberta Smith couvre les débuts new-yorkais de Sagarika Sundaram ainsi que les spectacles de Robert Ryman, Blair Saxon-Hill et Clintel Steed.
Jusqu'au 3 février. David Zwirner, 537 West 20th Street ; Manhattan; 212-517-8677 ; davidzwirner.com.
Robert Ryman est surtout connu pour son dévouement aux peintures entièrement blanches qui tirent le meilleur parti des propriétés physiques du médium, évitant la monotonie avec une variété stupéfiante de peintures, de pinceaux, de coups de pinceau, de surfaces et de fixations murales. Il est arrivé à New York en 1952, avec l'intention d'étudier le saxophone jazz, mais a été découragé par les visites des musées de New York et par le travail de gardien au Museum of Modern Art pendant une grande partie des années 1950. En 1953, il acheta des peintures et des cartons entoilés pour voir, comme il l’a dit un jour, « ce que la peinture ferait ». En 1959, il avait réalisé ce qu'il considérait comme son premier tableau : une toile carrée peinte en orange vif. Puis les blancs ont pris le relais.
Les pièces les plus intéressantes de cette exposition très complète de 25 œuvres de 1961 à 1964 révèlent que les choses n’étaient pas si simples. Dans une série d’œuvres de 1961, des champs somptueux, apparemment blancs, sont fréquemment peints sur des touches de rouge, de bleu ou de vert, mettant en scène une sorte de refus de la couleur. Il a également joué avec « l’illusion » – le bugaboo de l’abstraction des années 1960 et son dévouement à la nature physique de l’objet d’art. Dans « One Down » (1962), Ryman a dessiné au crayon cinq petits carrés sur une étendue carrée de lin marron clair et les a peints avec des textures blanches sur couleur, créant l'illusion surprenante de peintures (ou d'études) accrochées au mur d'un studio. En d’autres termes, gadzooks, il a transformé la peinture abstraite en un tableau figuratif, voire en trompe-l’œil ! Dans « 62 » Square » (vers 1964), il a même donné un cadre rouge à l'un des tableaux dans le tableau. Il n’est pas étonnant que cette intrigante petite apostasie ait été hors de vue.
Jusqu'au 4 février. Palo Gallery, 30 Bond Street, Manhattan, 646-877-1469, palogallery.com.
Le feutre de laine est une merveille. C'est l'un des tissus fabriqués par l'homme les plus anciens et il reste omniprésent, figurant dans tout, des pantoufles aux joints d'étanchéité des avions.
Felt a également de nombreuses possibilités artistiques, dont certaines sont explorées dans « Source », le somptueux début new-yorkais de Sagarika Sundaram, née à Calcutta, en Inde, en 1986, titulaire d'un M.F.A. Elle est titulaire d'un doctorat en textile de la Parsons School of Design/The New School et vit à Brooklyn.
La douzaine d'œuvres ici commencent par un morceau de feutre blanc, posé à plat, sur lequel Sundaram superpose de la laine brute et des brins ressemblant à des fils ou des morceaux de feutre teint. Ce sandwich est ensuite soumis à l'humidité, à la chaleur et à une forte pression, fusionnant en un seul textile quelque peu bosselé.
L'exposition contient plusieurs petites pièces de feutre séduisantes, dont deux livres aux bords bruts dont les pages se lisent comme de petites études de couleurs éblouissantes. Moins réussie est la monumentale « Source », composée de quatre ou cinq grandes ellipses accrochées ensemble en plis. Ces éléments peuvent évoquer d'immenses feuilles, coquillages ou tentes, chacun avec ses propres motifs et combinaisons de teintures naturelles rouge foncé, marron et blanc. Mais cela semble flou, comme une série d’essais. Il est également familier, reprenant l’art artisanal des années 1970.
Le chef-d'œuvre ici est le vibrant « Atlas », une petite fresque murale dont les formes, les lignes et les couleurs flamboyantes suggèrent une carte topographique, un sous-bois enchevêtré ou une pièce en latex de Lynda Benglis. On pourrait dire que tout cela n’est que figure et sans fondement, un exercice dans un chaos parfaitement contrôlé. Contrairement à la peinture, le feutre confère à chaque élément de couleur une séparation électrisante. « Atlas » a sa place dans un musée.
Jusqu'au 3 février. Shrine Gallery, 368 Broadway, Manhattan, 212-381-1395, shrine.nyc.
Cette paire d'expositions personnelles commence par les débuts new-yorkais des peintures de l'artiste de Los Angeles Blair Saxon-Hill, 44 ans, qui a exposé de grands monotypes ici en 2022, chez Pace Prints.
Saxon-Hill, née à Eugene, Oregon, en 1979, travaille avec une aisance sereine et sans prétention lorsqu'elle peint ses natures mortes de fleurs fanées ou d'intérieurs habités. Ses figures maladroites témoignent d'une version très tardive de ce qu'on appelait autrefois l'École de Paris, une fusion intuitive de dessin direct et de peinture issue de Matisse et de Picasso.
Pourtant les peintures de Saxon-Hill captent un mal-être qui semble très contemporain, très post-Covid. Les bouquets de fleurs, seuls ou en intérieur, meurent généralement en laissant tomber leurs graines. L'exception est la combinaison de lilas et de kakis dans « Fleurs pour Alice Neel ». Ils sont les plus en bonne santé de la série, mais ils réapparaissent dans un état pire, dans « Kakis at Night », dans lequel une femme se prélasse nonchalamment sur une table, tenant un kaki dans une main.
Dans « Power of Now », une femme en rouge, avec un mur de kaki derrière elle, semble reculer devant le journal ouvert sur la table devant elle. Les inquiétudes de « The News » sont plus ambiguës. Il est centré sur un grand morceau de papier qui semble être un dessin de membres épais coupés recouvrant les genoux d'une femme dont la coiffure noire précaire est indiquée par un tourbillon calligraphique. Elle semble tout droit sortie d'un spectacle de dragsters ou d'une gravure sur bois érotique japonaise et semble consternée. Pense-t-elle « Trop de carnage » ou peut-être simplement « Trop de Picasso » ? Le titre de l’émission se tourne vers l’avenir avec une phrase fataliste du poète japonais Issa, « Même alors les fleurs fleurissent ».
Dans la deuxième galerie du Shrine, le peintre vétéran Clintel Steed, 46 ans, offre un contraste intéressant avec les surfaces lisses et suaves de Saxon-Hill avec celles dont les coups de pinceau courts et épais peuvent s'empiler comme de petites briques. Steed, qui est né à Salt Lake City et vit maintenant à Peekskill, New York, utilise depuis un certain temps ce style de peinture robuste et quelque peu combatif, le laissant à la fois fragmenter et dynamiser ses sujets, qui vont des paysages aux reprises d'anciens. peintures de maître, et ont varié dans leur efficacité.
Les nouvelles peintures sont de petits gros plans de visages de footballeurs professionnels sur le terrain, portant des casques, derrière...
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