Roberta Smith
La couleur a sa propre vie. Sans art, sans hommes, c'est partout une des merveilles naturelles du monde. Pourtant, ce que les gens ont réussi à en faire semble parfois miraculeux, un cadeau. Surtout dans l’art, où sa générosité et sa chaleur deviennent encore plus directes. Beaucoup de mes plus beaux souvenirs artistiques cette année concernaient de puissantes doses de couleurs saturées ou inhabituelles, se manifestant dans une variété de matériaux et de techniques.
Cela a commencé avec deux expositions historiques qui ont porté un regard neuf sur les innovations en matière de couleurs et de traitement de la peinture qui ont rendu possible le début du modernisme occidental. L'été a été marqué par « Edvard Munch : Trembling Earth », une enquête sur sa carrière au Clark Art Institute de Williamstown, Massachusetts, axée sur son implication dans la nature et le paysage. L'exposition présentait un Munch moins angoissé, dont la peinture improvisée et les couleurs fraîches et inattendues étaient en avance sur leur temps. (Lisez notre critique de « Edvard Munch : Trembling Earth. »)
D'autres aventures dans la peinture libre et les couleurs vives sont arrivées en octobre avec « Vertige de la couleur : Matisse, Derain et les origines du fauvisme », exposé au Met jusqu'au 21 janvier. Il a examiné le premier, peut-être le plus court mouvement d'art moderne du 20e siècle. siècle, qui se concrétise au cours de l'été 1905 lorsque Henri Matisse et André Derain travaillent côte à côte dans le sud de la France. On a fini par l’appeler « les Fauves » ou « les bêtes sauvages », au milieu du scandale que leur travail a déclenché au Salon d’Automne de l’automne. Les artistes ont été influencés par le travail de Munch, mais ils ont opté pour des couleurs plus fortes et des surfaces plus juteuses. Que cette exposition innove ou non en matière d’histoire de l’art, elle devrait conférer au fauvisme une présence accrue dans les annales du modernisme. (Lisez notre critique de «Vertigo of Color.»)
Dans les galeries de New York, l’une des surprises colorées de la saison a été une exposition de 100 pots d’herbes époustouflants réalisés par le céramiste peu connu Doyle Lane, basé à Los Angeles, de la fin des années 50 au début des années 70. L'exposition, chez David Kordansky, constituait le premier solo new-yorkais de son œuvre. Avec leurs petits corps sphériques et leurs cols courts et étroits (pour contenir la tige d’une mauvaise herbe), les pots de Lane étaient charmants et excentriques. Mais les couleurs et les textures de surface inhabituelles qu'il a imaginées pour eux sont d'une intensité étonnante. (Cela a aidé qu'il privilégie les rouges vifs et les oranges.) Lorsqu'il s'agit de couleurs saturées artificielles, les glacis peuvent laisser la peinture sur toile dans la poussière. (Lisez notre critique de « Doyle Lane : Weed Pots. »)
"Henry Taylor: B Side" au Whitney Museum (jusqu'au 28 janvier) n'a pas relevé ce défi sans rien faire. Cette rétrospective passionnante, née au Museum of Contemporary Art de Los Angeles, a établi l'artiste basé à Los Angeles, aujourd'hui âgé de 65 ans, comme l'un des plus grands peintres de sa génération. Son sujet est la réalité parfois cruelle de la vie des Noirs en Amérique – de la famille et de la communauté à la politique et à l’i...
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